Mit navn er Duncan Bonnifay, og jeg er en fransk filminstruktør og filmfotograf, der primært arbejder med reklamefilm og bag-kulisserne-indhold for filmskabere. Sony-kameraer har været en del af min rejse lige fra begyndelsen, så da jeg blev spurgt, om jeg ville lave en lanceringsfilm for det nye Sony FX5, føltes det virkelig som et drømmeprojekt.Først troede jeg, at jeg ville have omkring tre måneder til at forberede det hele, men i virkeligheden havde jeg mindre end en måned til at skrive, planlægge, optage og redigere stemningsfilmen. Samtidig med skabte jeg BTS-indhold, hovedmateriale og stillbilleder. Presset var intenst, men det skubbede også projektet over til et meget spændende kreativt sted.

Sony gav mig en masse frihed. Jeg ville ikke lave en klassisk produktfilm eller blot vise kameraet som et objekt. Jeg ville skabe noget filmisk, følelsesladet og komplet, næsten som en reklamefilm, men uden at være afhængig af et eksisterende brand eller produkt. Udgangspunktet var sloganet "Lighting the Way Forward", altså "Kaster Lys Over Vejen Frem". Som filmfotograf er lyset meget vigtigt. Det former billeder, viser følelser og tilføjer mening til en ramme. Men på det tidspunkt i mit liv havde lyset også en mere personlig betydning.Et par måneder før projektet mistede jeg min bedstemor. Den oplevelse ændrede den måde, jeg forstod lys på. Det blev noget mere stille, noget usynligt, som dog stadig til stede. Noget, der kan guide dig, når du føler dig fortabt. Så filmen blev historien om en maler, der har mistet sin kreativitet og rejser gennem forskellige verdener og elementer, indtil hun finder tilbage til skabelsen.

Hvorfor valgte du sådan en poetisk tilgang i stedet for noget mere realistisk?Jeg ville gerne have, at filmen skulle fungere på to niveauer. På overfladen handler den om en kunstner, der forsøger at genskabe forbindelsen til sin kreativitet. Nedenunder er den også en fin hyldest til minder, savn og den måde, kunst kan hjælpe os med at bevæge os gennem sorg på, uden at man behøver at forklare alt.En realistisk historie ville have gjort budskabet for indlysende. Jeg ville skabe noget mere universelt, hvor publikum kunne bringe deres egne følelser og fortolkninger ind. Maleren, det blanke lærred, lyset, skoven, klitterne og havet blev til metaforer. De gav mig mulighed for at tale om kreativitet og savn uden at sige for meget.Hvordan påvirkede det scriptet at vide, at du havde en ny sensor og intern RAW?Jeg skrev ikke filmen ud fra tekniske specifikationer, men det gav mig en dyb ro i sindet at vide, hvad FX5 kan. Jeg vidste, at jeg kunne tage billeder håndholdt, arbejde i Open Gate, bruge anamorfiske objektiver, optage i slowmotion og optage intern X-OCN RAW uden behov for masser af udstyr.Den frihed påvirkede filmens struktur. Jeg tillod mig selv at bevæge mig rundt i forskellige miljøer: skov, ørken, vulkanske landskaber, hav, regn og en herregård. Jeg planlagde også mere bevægelse, end jeg normalt ville gøre med så stram en tidsplan. For eksempel løber Marjorie rundt imellem træerne i Anaga Forest, imens jeg følger hende med et FX5 monteret helt enkelt på et DJI RS 4 Pro. Den hurtigere aflæsning gav mig også tillid til, at jeg kunne optage håndholdte billeder og følgebilleder, fordi jeg ikke konstant skulle bekymre mig om rullende lukker.

Hvordan skabte du en sammenhæng mellem så forskellige steder?Jeg ville ikke have, at alle stederne skulle se ens ud. Skoven, klitterne, de vulkanske klipper, regnen og herregården skulle have hver sin identitet. Filmen handler om at krydse forskellige følelsesverdener, så disse forskelle var vigtige.Det, jeg ønskede at forene, var det overordnede billedsprog: kontrast, tæthed, hudtoner og den måde, lyset interagerede med karakteren på. X-OCN-arbejdsgangen hjalp mig meget, fordi jeg havde nok fleksibilitet i graderingen til at kunne forme hver verden, og samtidig bevarede jeg den samme filmiske base. På øerne formede vi for det meste det naturlige lys med reflekser og spejle. På herregården var alting meget mere kontrolleret, og vi placerede blandt andet lyskilder uden for vinduerne, men jeg forsøgte stadig at opretholde forbindelsen mellem blødhed, kontrast og de udendørs optagelser.

Hvordan hjalp den nye skærm og den elektroniske søger under optagelserne?16:9-skærmen på 3,5 tommer fik kameraet til at føles meget mere praktisk. Vi bevægede os konstant. Vi vandrede, løb gennem sand, klatrede på klipper, fotograferede i regn og rejste rundt fra ø til ø. Under disse forhold er tilbehøret vigtigt.Når jeg optog anamorfisk – især i Open Gate – gjorde det en stor forskel at have ordentlig overvågning og desqueeze-understøttelse direkte i kameraet. Jeg kunne indramme præcist uden at skulle bruge en stor overvågningsopsætning hver gang. Da jeg skiftede til Sony G Master-objektiverne for mere praktiske billeder, gav skærmen mig også et rent billede, uden at kabinettet virkede overbelastet.Den aftagelige elektroniske søger blev et af de mest nyttige værktøjer under optagelserne. På Gran Canaria – og især i klitterne – var lyset ekstremt skarpt. Sandet reflekterede alt, og min eksterne skærm kunne ikke konkurrere med solen. Med den elektroniske søger kunne jeg isolere mig fra omgivelserne og bedømme indramning, eksponering og fokus korrekt. Under disse forhold var det vigtigt at have False Colour- og eksponeringsværktøjer til rådighed inde i kameraet.Hvordan påvirkede den CineAlta-inspirerede menu din arbejdsgang?Skiftet fra FX3 til FX5 og den nye menu føltes ret anderledes i starten. Der var en læringskurve, især fordi jeg lærte kameraet at kende under et reelt produktionspres. Men da jeg først forstod logikken, gav cinema-first-hierarkiet mening.Kameraet føltes som et produktionsværktøj. Eksponeringsværktøjer, overvågning, RAW-indstillinger, billedhastigheder og professionelle muligheder var alle en del af den naturlige arbejdsgang. Da jeg ikke havde en dedikeret første AC, var det meget vigtigt. Jeg skulle selv betjene, eksponere, indramme, styre fokus og træffe hurtige beslutninger.I Las Grietas skiftede jeg for eksempel mellem Open Gate og 16:9 for at bruge stabilisering til håndholdte følgebilleder uden at skulle ændre kameraopsætningen. I regnen var jeg meget afhængig af False Colours, fordi jeg ikke brugte en ekstern skærm. Eftersom jeg havde disse værktøjer i kabinettet, sparede jeg tid, og jeg kunne bedre fokusere på billedet.

Hvorfor valgte du X-OCN C1?Jeg optog i X-OCN C1, fordi det gav mig den rette balance mellem kvalitet, fleksibilitet og realistiske filstørrelser. Dette projekt blev hovedsageligt skabt til YouTube, sociale medier, vertikale versioner, online markedsføring og en premierevisning på teatret Grand Rex. Jeg havde brug for RAW-fleksibilitet til graderings- og eksponeringsjusteringer, men jeg var også nødt til at tænke på lagring, sikkerhedskopier og redigering.Når man optager i næsten to uger på tværs af flere øer med slowmotion og flere leverancer, bliver data en del af den kreative arbejdsgang. X-OCN C1 gav mig den fleksibilitet, jeg havde brug for, uden at generere unødigt store filer. Ved denne form for udgivelse er den visuelle forskel meget svær at få øje på, men i forhold til backuptid og drevplads gør det en kæmpestor forskel.Hvad var dit indtryk, da du graderede optagelserne?Jeg skulle selv farvelægge, og det var en sand fornøjelse at gradere X-OCN-optagelserne. Filmen indeholdt nogle meget forskellige situationer: lyse ørkenhorisonter, dybe skove, sorte vulkanske klipper, grønt vand, regn, svagt lys og kontrollerede indendørs optagelser. Friheden og fleksibiliteten i RAW-programmet gav mig plads til at forme hvert miljø, uden at billedet faldt fra hinanden.Målet var ikke at gøre alt identisk, men at få alt til at høre til den samme film. Jeg kunne genskabe højlys, kontrollere skygger og arbejde med hudtoner med ro i sindet. På Lanzarote skabte vi ét billede i næsten fuldstændigt mørke kun ved hjælp af en pandelampe, en refleksskærm og en særlig stemning. Kameraets ydelse i svagt lys og RAW-fleksibiliteten gjorde, at det færdige billede føltes meget større end selve opsætningen.

Hvordan er FX5 sammenlignet med FX3?Jeg elsker FX3. Det har været en stor del af mit arbejde, fordi det er lille, pålideligt og nemt at tage med. Men FX5 føles som et reelt skridt hen mod et kompakt kamera. Billedet føles tættere, overvågningsværktøjerne er mere effektive, og den interne X-OCN RAW ændrer den måde, jeg arbejder på.Med FX3 bygger jeg ofte kameraet op omkring det, jeg har brug for. Med FX5 er mange af disse biografværktøjer allerede inde i kabinettet. Det føles mindre som et spejlløst kamera, der forsøger at være et biografkamera, og mere som et kompakt biografkamera fra starten.Hvilke objektiver brugte du?Jeg havde kun få objektiver med, fordi vi rejste og vandrede meget. Til det primære filmiske arbejde brugte jeg DZO Arles-objektiver, hovedsageligt 35mm og 50mm, med 18mm til ét særligt billede på herregården. Jeg brugte også Thypoch Simera-C-objektiver for at skabe en lettere og mere organisk fornemmelse. Til anamorfisk arbejde brugte jeg DZO Arcana-objektiver – især i Anaga Forest. Til regnsekvensen skiftede jeg til Sony FE 24-70mm f/2.8 GM II, fordi jeg havde brug for autofokus, hastighed og beskyttelse mod vind og vejr.

Hvad håber du, at publikum føler, når de har set filmen?Jeg håber, at de mærker noget, før de begynder at tænke på selve kameraet. Filmen blev selvfølgelig lavet for at vise, hvad FX5 kan, men jeg ville netop ikke, at teknologien skulle være motivet. Jeg ønskede, at lyset, billedet og følelserne skulle komme først.Mit råd til filmskabere er at se FX5 som et ægte biografværktøj i et kompakt kabinet. Brug ikke alle funktionerne, bare fordi de findes. Brug Open Gate, X-OCN, den elektroniske søger, slowmotion og autofokus, hvis de understøtter historien. For mig er styrken ved FX5, at den giver mig eksklusive biografmuligheder, samtidig med at jeg forbliver mobil, hurtig og bevidst. Det hjælper mig ikke kun med at tage et billede. Det hjælper mig med at designe et billede.