Jeg hedder Ruben Scott, og jeg er filmskaber og instruktør. Jeg arbejder med både fortællende film og kommercielle produktioner.

I forbindelse med mit seneste projekt, "Different, but Same", ønskede jeg at udforske idéen om, at selvom vi alle er forskellige, er der altid ting, der forbinder os: Fælles interesser, hobbyer og små ting, som vi har til fælles, men som man normalt aldrig lægger mærke til. Den idé var faktisk udgangspunktet for dette projekt.“”

Fra begyndelsen vidste jeg, at det ville blive en ret kompleks optagelse. Der var mange skuespillere og et ret stort filmhold. Min erfaring har lært mig, at den sammensætning betyder, at man konstant skal balancere resultater, tid og rum på én gang.

Historien foregår i et venteværelse i forbindelse med et studie, hvor folk bliver matchet ud fra fælles interesser, men de finder først ud af, hvem de bliver sat sammen med, på selve dagen. Den fremgangsmåde gav os gode muligheder for at arbejde med usikkerhed og forventning. Det betød, at vi kunne holde tingene enkle med hensyn til historiefortælling og give publikum mulighed for at skabe et overblik.

Kameraets bevægelser var ret minimal hele vejen igennem. Det meste af det er observationer. Der er blide dolly-bevægelser og små genindramninger, når vi havde brug for dem, men intet, der føles, som om det tiltrækker al opmærksomheden. Idéen var altid at fokusere på de medvirkende og lade dem tage føringen. Fordi der ikke er nogen dialog i filmen, var præstationerne særligt vigtige.

Optagestedet spillede også en stor rolle i forhold til, hvordan alt så ud og føltes. Vi optog i et optagelsesstudie, der allerede havde en vis stemning. Det havde varme træpaneler, orange nuancer og en let nostalgisk atmosfære. Det var ikke bare fire hvide vægge, og det hjalp os faktisk meget. I stedet for at forsøge at skabe venteværelset helt fra bunden, kunne vi bruge meget af det, der allerede var der.

Det bidrog naturligvis til den måde, vi greb belysningen an på. Vi brugte en stor, blød loftslampe for at skabe ensartede billeder og for at give os mulighed for at bevæge FX5 hurtigt rundt. Derefter introducerede vi praktiske lamper i rummet for at tilføje varme og dybde. Målet var at gøre alt blødt og naturligt, samtidig med at vi stadig opnåede nok kontrast til at forme ansigter og lede øjet hen mod hovedpersonen i midten.

Fordi vi arbejdede med en blanding af praktisk lys i billedet og mørkere hjørner i rummet, blev de mere end 15 trin i det dynamiske frekvensområde virkelig vigtige for os. Det skete tit, at varme lamper var synlige på billedet, mens vi stadig havde brug for at kunne se detaljerne i de omkringliggende områder. FX5s grundlæggende ISO-indstillinger var også en meget stor hjælp her. Med dette kamera følte vi ikke, at vi konstant skulle beskytte højlys eller ofre skyggedetaljer til fordel for støj.

Kombinationen af den nye stablede 16,6 MP-sensor og Arles Prime-objektiverne gjorde også et fantastisk stykke arbejde i forhold til at tage nærbilleder af de medvirkende. Hudteksturerne og teksturerne i kostumerne føltes utroligt naturlige.

Farverne var noget, vi var helt bevidste om fra starten. Vi ønskede at bruge en farvepalet, der føltes livlig og lidt inspireret af 1970'erne, men som stadigvæk var moderne. Det ville være en god test af kameraet. Meget af det opnåede vi gennem valg af garderobe og produktionsdesign, men den måde, som kameraet indfangede farverne på, var præcis, hvad vi var på udkig efter.

Hudtonerne var særligt vigtige, fordi vi havde en meget forskelligartet rollebesætning, og fordi alle blev filmet under de samme lysforhold. Vi havde brug for, at alt blev ført sammen på en sammenhængende måde. Det, jeg bemærkede, var, hvor jævne og naturlige hudtonerne føltes på tværs af forskellige opsætninger. Det har jeg også oplevet, når jeg har arbejdet med Sony Venice og Burano. Der er en velkendt kvalitet i farverne og højlyset i alle disse systemer, og dette kamera føles, som om det har disse kvaliteter, bare i et mindre og mere fleksibelt kabinet.

Vi valgte at optage internt i 16-bit X-OCN, fordi vi vidste, at vi ønskede total fleksibilitet i efterproduktionen. Der var øjeblikke, hvor vi fremhævede farverne lidt eller justerede eksponeringen i nogle dele af billedet, og optagelserne hang rigtig godt sammen. Intet føltes, som om det faldt udenfor eller blev ustabilt. Selv ved arbejde under forskellige lysforhold forblev hudtonerne ensartede, og det hjalp os under graderingen.

Hvad angår arbejdsgangen, så arbejdede vi med et mellemstort filmhold på én dag, så det var vigtigt at arbejde hurtigt. Det, jeg lagde mærke til, var, hvor nemt kameraet passede ind i rytmen i vores optagelsesplan. Det gjorde os ikke langsommere, og det krævede ikke, at vi gentænkte vores måde at arbejde på.

Fordi jeg har arbejdet med Venice og Burano før, var jeg også interesseret i, hvordan dette kamera passer ind i den overordnede CineAlta-verden. Dette kamera føles ikke anderledes eller som en anden form for kamera. Det føles som en del af den samme serie, bare tilpasset en mere fleksibel produktionsform. Selv menustrukturen og den generelle betjening føles velkendt, og det er en stor hjælp, når man skifter mellem forskellige Sony-kameraer i forbindelse med forskellige projekter.

For mig fungerede FX5, fordi det gav os masser af frihed: Frihed til at indfange det, vi ville, uden at gå på kompromis, frihed til at lege med billedet i efterproduktionen, og frihed til at holde fokus på historien frem for udstyret eller eventuelle tekniske problemer. Det er det, der er vigtigt for mig, når jeg vælger et kamera.